CONCIERTO DE MÚSICA CLÁSICA VIRTUAL:

"CLÁSICOS DEL ALMA"

Bienvenidos al Concierto Virtual de Música Clásica “Clásicos del Alma”. Este es un espacio en el que podrás entrar en contexto con el Clasicismo Musical, sus características, los instrumentos predominantes y las formas musicales sobresalientes en este periodo. Además tendrás la valiosa oportunidad no solo de conocer mas sobre dos de los principales representantes de la época, sino que adicionalmente podrás apreciar algunas de sus mas valiosas obras, conocer un poco sobre la historia de cada una y compenetrarse con las composiciones al punto experimentar sensaciones y sentimientos con cada una de ellas.

En este espacio podrás adentrarte en la Música Clásica y llegar a encontrarle el sentido y la interpretación adecuada a las obras aquí presentadas, las cuales fueron seleccionadas minuciosamente para ofrecerle al visitante un grato momento de esparcimiento y deleite.

 

Antes de iniciar con el gran concierto de conciertos, es importante que el auditorio conozca un poco mas del Movimiento Clásico, y de esta manera puedan disfrutar de algunas de las composiciones de los mayores representantes de la música Clásica que se presentarán a continuación.

CLASICISMO MUSICAL

Para empezar, es necesario resaltar que el Clasicismo es una etapa del arte que se dio en la segunda mitad del siglo XVII (1750-1827), cuya principal característica era expresar la idea de perfección de la realidad, es decir, en este periodo existió una fuerte propensión a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. De ahí la tendencia a dar más la forma de las cosas, que es la que refleja perfección, que el contenido o la ideología.

CARACTERISTICAS ESTILÍSTICAS

Como características generales de la música Clásica podemos mencionar:

• Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.

• Fuerte tendencia a expresar el mundo como un ser bello, perfecto, tranquilo e ideal.

• Es música cortesana, elegante, refinada y en ocasiones graciosa.

• La norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, y por ello simboliza al hombre como ser armónico y a la humanidad como una sociedad perfecta y sin problemas.

• La melodía toma una importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta música, la melodía es el alma de la música clásica.

• Los tres elementos fundamentales de la música (melodía, ritmo y armonía) alcanzan un perfecto equilibrio, por lo tanto ninguno prevalece sobre los demás.

• Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces de la melodía.

• Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, éstos sólo se usan cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión.

• Se le suele llamar pura porque no esta mezclada con el canto, es instrumental.

• Es música objetiva, porque es estética y única, no sensual.

• El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento.

• Las composiciones u obras musicales no llevan nombre, pero llevan titulo OPUS, que significa Obra, y el numero correlativo o de orden de creación.

INSTRUMENTOS MUSICALES DEL CLASICISMO

Hay varios instrumentos que surgen en este período, como la trompa, el clarinete y la trompa; si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos alcanzan la madurez en este periodo como el fagot, oboe y el contrabajo. En este periodo el piano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos solistas.

Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: la viola da gamba, el clavicordio, la dulzaina, la flauta dulce (que volverá a renacer en el siglo XX), el laúd etc.

Trompa

Instrumento de viento y metal, con boquilla cónica un largo tubo también cónico, estrecho y enrollado sobre si mismo en forma circular y que acaba en un ancho pabellón.

 

Clarinete

Instrumento cilíndrico de viento, madera, de lengüeta. El sonido que emite es brillante y penetrante

 

 

Piano

Es un instrumento de cuerdas percutidas por martillos activados por teclas. La producción del sonido tiene lugar por medio del martillo que el mecanismo del teclado lanza contra las cuerdas. Construido por primera vez por el italiano Cristófori que lo denominó Gravicemvalo col piano e forte, denominación reducida más tarde a piano.

 

FORMAS MUSICALES DEL CLASICISMO

De las formas musicales de las épocas anteriores, desaparecen: la suite, el preludio, el concierto grosso, la fantasía, la cantata, la tocata y la fuga, y sobreviven la variación, la obertura y la opera.

Las formas musicales propias y típicas del clasicismo son la Sonata moderna o Clásica, la Sinfonía, el Concierto Instrumental y la música de Cámara.

REPRESENTANTES DEL CLASICISMO

El Clasicismo se va a ver reflejado en las obras de tres grandes músicos Franz Joseph Haydn, Wolfang Amadeus Teofilus Crisostomos Mozart y Ludwig Von Beethoven, en su primera etapa. El iniciador de este estilo musical es Franz Joseph Haydn y concluye con Ludwig Von Beethoven, que es él “puente” al Romanticismo. Sin embargo para efectos de este concierto, los músicos que haran sus presentaciones serán Haydn y Mozart.

CONCIERTO: “CLÁSICOS DEL ALMA”

El concierto que se presentará a continuación esta basado en las mejores composiciones de dos de los máximos representantes del Clasicismo Musical, los cuales fueron personajes muy influyentes en el desarrollo del Clasicismo.

Estamos hablando de dos de los mas grandes genios de la música universal, Franz Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart.

El concierto está dividido en dos etapas. En la primera veremos a Haydn y en la segunda etapa tendremos a Mozart, cada uno con una breve reseña de su vida, para que entremos en contexto y podamos sentir realmente lo que estos dos compositores querían expresar en sus obras. Antes de cada composición musical encontrarán unos datos relevantes de la obra. Durante el concierto, el oyente tendrá la oportunidad de leer un breve análisis musical de la obra. A lo largo del concierto se expondrán algunas pinturas que fueron relacionadas con las composiciones que se presentarán.

Bienvenidos al gran Concierto de Conciertos, al bellísimo
“CLASICOS DEL ALMA”

 

PRIMERA ETAPA

FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809)

BIOGRAFÍA

Compositor austriaco, una de las figuras más influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo. Está considerado como el padre de la Sinfonía, le pertenece la gloria de haber fundado el cuarteto de cuerdas.

De origen humilde, nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrau an der Keitha, cerca de Viena. Era el mayor de los dos músicos hijos de un fabricante de ruedas. Con ocho años entró en la escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas lecciones del prestigioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora. En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. El año 1760 contrajo matrimonio con Maria Anna Keller, unión que fracasó y de la que no hubo descendencia.

La suerte de Haydn cambió en 1761, año en que fue nombrado director musical adjunto del príncipe Pál Antal Esterházy; en 1762 fue nombrado maestro de capilla. Brindó un sinfín de conciertos palaciegos en Austria, Alemania, Hungría e Inglaterra. Por su longevidad (vivió 77 años) recibió el apelativo de “Papá Haydn”.

A él se le atribuye el perfeccionamiento del Cuarteto de cuerdas. Además, se le llama el “Padre de la Sinfonía”, por su grandiosa capacidad creativa en esa forma musical. Su música se caracteriza por graciosa, de buen humor, humana y perfecta en su técnica.

Su catálogo abarca 108 sinfonías, 83 cuartetos de cuerda, 52 sonatas para piano o claveci, 26 óperas. Durante sus últimos años en Viena, Haydn comenzó a componer misas y grandes, llego a componer 4 oratorios y 14 misas. Tras conseguir fama y riqueza, murió en Viena el 31 de mayo de 1809.

CONCIERTO HAYDN

1. Sinfonía N° 101 en Re Mayor, El Reloj

Fecha: 1794
Forma Musical: Sinfonía

 
El puerto de Ostia con el embarque de Santa Paula Romana, 1639 - 1640
Claude Lorrain

Un poco sobre la obra:

Hacia 1790, Haydn aceptó la oferta de Johann Peter Salomón, un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. En este periodo compuso algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres. La Sinfonía Nº 101 es la novena de las doce llamadas Sinfonías Londres. Es conocido popularmente como El reloj de la causa de la "marcando" el ritmo en todo el segundo movimiento. Haydn escribió esta obra para una de visitas a Londres.

El estreno de la pieza tuvo lugar el 3 de marzo de 1794 en los Hanover Square Concert Rooms londinenses. Fue el cuarto concierto de la temporada de los Haydn-Solomon Concerts y gozó de un merecido éxito entre el público, que aclamó al director al finalizar la interpretación. El trabajo siempre ha sido popular y sigue apareciendo con frecuencia en programas de concierto y en grabaciones.

Análisis de la obra:

La Sinfonía 101, "El Reloj", arranca de forma inspiradora con una original introducción de tono sombrío que, si bien responde al tipo de introducciones que se utilizaban para llamar la atención del público y avisarle del comienzo de la obra, destaca por su inusual sustancia musical, que crea una pretendida tensión previa. Tras estos breves segundos de introducción el primer movimiento, Adagio - Presto, se inicia de manera mucho más alegre, empujado por un tema de melodía bailable, que crea un fuerte contraste con la sombría introducción.

El segundo movimiento, Andante, es el que da sobrenombre a la sinfonía. En él la orquesta marca un ritmo oscilante que evoca el tictac de un reloj, por encima del cual la cristalina melodía es acomodada con maestría por Haydn.

El tercer movimiento, un Minuetto, es una de los momentos más novedosos de esta sinfonía. Se trata del más elaborado y extenso de los minuetos escritos por el compositor hasta entonces y, aunque se trata de una música ceremonial y un punto cómica (ridiculiza la poca destreza musical de una banda de músicos populares), se ha revelado ampliamente influyente.

El cuarto movimiento, Final, es un modelo de perfección formal y de dominio del contrapunto (el arte de armonizar dos o más melodías que se escuchan simultáneamente) e incluye una tensa sección central de gran complejidad interpretativa reservada para los instrumentos de cuerda.

Quise empezar el Concierto de Haydn con esta Sinfonía con el fin de resaltar la importancia que tuvo este artista en la creación y desarrollo de esta forma musical, característica del periodo Clásico. Recordemos que Haydn ha sido considerado en todos los tiempos “El Padre de la Sinfonía”, siendo la Sinfonía N° 101 unas de sus mas grandes obras.

Esta composición tiene una expresión de alegría y elegancia, delicadeza y suavidad en la melodía, que crea en el oyente una sensación de descanso, relajación y tranquilidad, características predominantes de las obras Clásicas. El efecto que produce en los sentidos es de exquisitez de naturaleza, es una obra que llega hasta el fondo del alma, es muy placentera al escucharla, al punto que crea una gran emoción y alegría.


Paisaje con Apolo y Mercurio, 1645.
Claude Lorrain

2. La Creación

Fecha: 1798
Forma Musical: Oratorio

 
Anunciación, 1645
Francesco Albani

Un poco sobre la obra:

El trabajo fue escrito por sugerencia de Salomón, el gerente ingles de Haydn, mientras Haydn estaba en su segundo viaje por Inglaterra, de 1794 a 1795. En ese momento, él era un gran éxito en Londres. Se sugirió que el compositor clásico escribiera un oratorio en la tradición Inglesa similar al Mesías de George Handel.

Sin embargo, el inglés de Haydn no era suficientemente bueno como para componer un trabajo de tal magnitud, por lo que se llevó los textos con él cuando regresó a Viena. Fue hacia el final de 1795 o a principios de 1796, que su amigo Gottfried Van Switen, un generoso patrón de las artes y una figura influyente en la vida musical de Viena, le hizo la misma propuesta para componer un oratorio.

En “La Creación”, su obra maestra, el compositor ilustra la creación del mundo, tal como se narra en el Génesis. Además de este libro del Antiguo Testamento, sus fuentes de inspiración fueron los salmos y El paraíso perdido, poema de John Milton. “La Creación” de Joseph Haydn es considerada su mayor trabajo. Trabajó sin descansar en este oratorio justo antes del siglo XIX. Haydn, en la época en que estaba trabajando en esta enorme composición, dijo: “Nunca he sido tan devoto como cuando compuse La Creación. Todos los días me arrodillo y oró ante Dios para que me de fuerza en mi trabajo”. Seguidamente puede apreciarse un fragmento de la obertura, bellísima por cierto.

Análisis musical de la obra:

La Creación está escrito en tres partes, dentro de las cuales se encuentran 34 números musicales, lo cual hace de esta, una obra de gran magnitud y extensión. Según la forma clásica del oratorio, La Creación se compone de coros, recitativos y arias. En la primera y segunda parte los solistas son Gabriel, Uriel y Rafael (respectivamente soprano, tenor y bajo); en la tercera parte, son Uriel, Adán y Eva (tenor, bajo o barítono, y soprano).

Debido a la magnitud de esta gran obra, se dará una pequeña muestra musical de la primera parte para asi poder ampliar el panorama del oyente con respecto a esta obra tan especial

Parte I

En esta parte se celebra la creación de la luz primigenia, la Tierra, los cuerpos celestes, cuerpos de agua, el clima y la vida vegetal.

El inicio de esta obra se da con el Preludio, la representación del Caos. Este es uno de los más famosos números en la obra, una obertura en do menor en el ritmo lento, escrito en forma sonata.

Parte II

La segunda parte celebra la creación de las criaturas del mar, los pájaros, los animales y, por último, el hombre.

Parte III

La parte III se lleva a cabo en el Jardín del Edén, y narra la feliz primeras horas de Adán y Eva.


El Bautismo de Cristo, 1630 - 1635
Francesco Albani

“La Creación” es una obra que no podía dejar por fuera de este gran concierto ya que esta es la obra maestra de Haydn.

Este oratorio es una obra alegre, sacra, con mucha emotividad. Expresa una fuerte religiosidad y espiritualidad, que crean una sensación de sobriedad, majestuosidad y elegancia características del periodo Clásico. No es fácil entrar a expresar los sentimientos causados por esta obra porque son múltiples; es tanta la grandeza de la obra plasmada en sonidos tan armónicos que crean una fuerte carga emocional en el oyente. “La Creación” es una obra que con solo el nombre nos da una idea de la clase de composición, impecable, limpia y emotiva. La armonía de voces y la instrumentación, hacen de la composición una obra serena, grande y muy elegante, con un predominante equilibrio Clásico entre melodía, ritmo y armonía, que la hace exquisita.

SEGUNDA ETAPA

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)

BIOGRAFÍA

Mozart es uno de los mayores genios de la música de todos los tiempos, y además, niño prodigio. Desde su infancia y hasta su prematura muerte a los 35 años compuso compulsivamente y creó obras maestras en la casi totalidad de los géneros musicales.

Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, y lo bautizaron con el nombre de Johannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Mozart. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo.

A los 4 años ya había compuesto su primera obra; a los 6 años era ya interprete avanzado de instrumentos de tecla y eficaz violinista, a la vez que hacía gala de una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras.

En 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes de Europa. Durante este periodo compuso sonatas, tanto para clave como para violín (1763), una sinfonía (1764), un oratorio (1766) y la ópera cómica La finta semplice (1768). En 1769 fue nombrado Konzertmeister del arzobispado de Salzburgo, y en La Scala de Milán el Papa le hizo caballero de la Orden de la Espuela Dorada. Ese mismo año compuso Bastien und Bastienne, su primer singspiel (tipo de ópera alemana con partes recitadas). Al año siguiente le encargaron escribir su primera gran ópera, Mitrídates, rey del Ponto (1770), compuesta en Milán. Con esta obra su reputación como músico se afianzó todavía más.

En su ciudad natal, Mozart compuso dos misas y un buen número de sonatas, sinfonías y conciertos. Estas obras revelan por primera vez un estilo propio y una madurez musical extraordinaria. El éxito de su ópera italiana Idomeneo, rey de Creta, encargada y compuesta en 1781, hizo que el arzobispo de Salzburgo le invitara a su palacio, en Viena, pero se sintió explotado y decidió marcharse. Se dedicó entonces a dar clases en una casa que alquilaron para él unos amigos. Allí compuso el singspiel, El rapto en el serrallo, encargada en 1782 por el emperador José II.

Ese mismo año se casó con Constanze Weber, hermana menor de Aloysia; juntos vivieron acosados por las deudas hasta la muerte de Mozart. Las óperas Las bodas de Fígaro (1786) y Don Giovanni (1787), con libretos de Lorenzo Da Ponte, aunque triunfaron en Praga, no fueron bien recibidas en Viena. Desde 1787 hasta la creación de Così fan tutte (1790, también con libreto de Da Ponte), Wolfgang no recibió nuevos encargos de óperas. Para la coronación del emperador Leopoldo II en 1791 compuso La clemenza di Tito, con libreto de Metastasio. Las tres grandes sinfonías de 1788 nº 39 en mi bemol, nº 40 en sol menor y nº 41 en do (Júpiter) nunca se interpretaron bajo su dirección. Mientras trabajaba en La flauta mágica (1791, con libreto de Emmanuel Schikaneder), el emisario de un misterioso conde Walsegg le encargó una misa de réquiem. Esta obra, inacabada por la muerte de Mozart, fue su última composición, que terminó Franz Süssmayr, discípulo suyo. Mozart murió en Viena el 5 de diciembre de 1791, se cree que por una dolencia renal crónica. Sólo unos pocos amigos fueron a su funeral.

CONCIERTO MOZART

1. Sinfonía Nº40 en Sol Menor KV 550

Fecha: 1788
Forma Musical: Sinfonía

Un poco sobre la obra:

Mozart escribió la sinfonía Nº 40 durante un período de su vida extraordinariamente creativo, el verano de 1788. En el espacio de unas pocas semanas compuso también sus sinfonías Nº 39 y Nº 41. Se ha especulado que preparaba estas obras para un futuro viaje a Inglaterra, que nunca ocurrió.

Como ocurre con la Sinfonía Nº 41, no existe ninguna prueba documental de que la obra llegara a estrenarse en vida del compositor. Es la penúltima sinfonía del célebre compositor.

Se la llama "gran" sinfonía en sol menor para distinguirla de la "pequeña", la Nº 25, también compuesta en sol menor. Estas dos son las únicas sinfonías que compuso Mozart en clave menor, quizás con la única excepción de una temprana sinfonía en la menor, descubierta recientemente y conocida como la Sinfonía Odense.

Análisis Musical de la obra:

La sinfonía está orquestada (en la segunda versión) para una orquesta compuesta por flauta, dos oboes, dos clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, y una sección de cuerdas (primeros y segundos violines, violas, chelos y contrabajos). Es destacable la ausencia de trompetas y timbales.

La obra está estructurada de forma convencional para el período clásico: cuatro movimientos, rápido, lento, minuet y rápido:

1. Molto allegro

2. Andante

3. Menuetto: Trio

4. Allegro assai

Quise traer esta la Sinfonía N° 40 en Sol menor a este concierto, porque es una de sus obras maestras mas finas y admiradas, además es una de las tres ultimas sinfonías que compuso Mozart. A pesar de ser una composición clásica, esta sinfonía fue muy apreciada por los músicos románticos a causa del sereno equilibrio que se combina con su sombría expresión. La Sinfonía N° 40 es una obra que en la actualidad es frecuentemente interpretada y grabada por otros artistas.


El caminante sobre el mar de niebla, 1818
Caspar David Friedrich

Los rasgos centrales del estilo clásico están presentes en esta obra de Mozart. La claridad, el equilibrio y la transparencia son los sellos de su trabajo Clásico. Esta obra que acabaron de escuchar, tiene un carácter nostálgico, melancólico, muy dramático, con una fuerte expresión de pasión y sentimiento. Esta composición esta cargada de una gran energía, representada en la fuerza de la musicalidad, en la rapidez de los sonidos y en la alteración de los ritmos. Me llama mucho la atención en esta obra los contrastes musicales que están presentes, las tonalidades, donde se pasa de la dureza a la suavidad, tiene una belleza poco común, ya que el artista aplicó su estilo personal allí.

 
Paisaje con acueducto, 1791-1824
Theodore Géricault

2. Don Giovanni

Fecha: 1787
Forma musical: Ópera

 
Don Giovanni - Francisco d´Andrade, 1868 - 1932
Max Slevogt

Un poco sobre la obra:

Es una ópera en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Lorenzo da Ponte, compuesta entre marzo y octubre de 1787, en Viena y en Praga, y basada en el mito de Don Juan. Surgió como un encargo a raíz del éxito que tuvo en esta última ciudad el estreno de su anterior ópera, Las bodas de Fígaro. Fue estrenada en el Teatro Estatal de Praga el 29 de octubre de 1787, con gran éxito de crítica y público. Fue interpretada por vez primera sin ensayo previo alguno.

La acción de la obra transcurre en Sevilla, en algún momento del siglo XVII, y es el relato de las impiedades de Don Juan, un tanto tosco y acumulativo. En el primer acto muestra a don Juan en la plenitud de sus formas, cínico y seguro de sí mismo, en sucesivos conflictos con doña Ana, a la que perpetuamente es infiel, y Zerlina, la joven campesina a la que seduce el mismo día de su Boda. En el segundo acto se nos muestra a un don Juan que es acosado por la justicia de los hombres y del cielo hasta ser precipitado al infierno. En el epílogo los restantes personajes comentan el trágico fin del protagonista, manifiestan sus sentimientos y extraen una moraleja que bien podría resumirse como “quien mal anda mal acaba”.

De todas las obras musicales basadas en la leyenda de Don Juan, la de Mozart es la más conocida y generalmente mencionada como la mejor. La ópera fue editada con el subtítulo de dramma giocoso (drama cómico), lo cual indica que no es ni completamente trágica ni cómica.

Análisis Musical de la obra:

Como bien ya se menciono anteriormente, esta obra musical se encuentra dividida en dos actos, dentro de los cuales podemos encontrar las escenas, el total de la obra son 9 escenas.

Debido a la extensión de esta gran obra, se dará una pequeña muestra musical con el fin de que el oyente pueda deleitarse con esta estupenda obra.

Como la mayoría de las óperas, Don Giovanni comienza con una obertura. Parece cierto que la víspera del estreno Mozart no la había compuesto. La Obertura de la obra fue compuesta un día antes de su estreno, de manera que fue interpretada por vez primera sin ensayo previo alguno. Es destacable que esta obertura, no es un poutpourrí de las romanzas principales, sino una obra maestra en sí misma, impregnada de la atmósfera del drama, a pesar de la velocidad con la que fue escrita.

Obertura

Acto I

Escena 1º: Atrio del Palacio del Comendador
Escena 2º: En las afueras de Sevilla
Escena 3º: Jardín en el palacio de Don Giovanni
Escena 4º: Interior del Palacio de Don Giovanni

Acto II

Escena 1º: Ante la casa de Donna Elvira
Escena 2º: En el jardín de Don Giovanni
Escena 3º: Cementerio en Sevilla
Escena 4º: Palacio del Comendador
Escena 5º: En el comedor del palacio de Don Giovanni

Escena del Commandatore

Escena le pediré la mano

Cierro el concierto con esta opera, ya que es considerada como una de las obras más geniales jamás escritas. Es considerada por muchos como la mejor ópera de la historia y una de sus obras mas finas. En esta obra se pueden apreciar momentos de comedia, romance, dramatismo. Es una obra cargada de intensidad, fuerza, energía y musicalidad. Es una opera elegante, de estilo cortesana, la cual mantiene el equilibrio Clásico entre melodía, ritmo y armonía. Se percibe un gran juego de matices, en donde es posible identificar espacios alegres, suaves, melancólicos y turbulentos, que van fuertemente contrastados, en un marco de intensidad sonora.

 
Noche estrellada, 1889
Van Gogh