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La Coctelera

Unidad 4: Poesía

DIALOGO ENTRE POETAS

ROMANTICISMO vs. VANGUARDISMO


El "Parque de los Artistas" ha sido uno de los espacios artísticos mas importantes en Alemania. Es allí donde usualmente los grandes artistas, despejan sus pensamientos y emociones después de arduas jornadas de inspiración. Músicos, pintores y poetas de todo el mundo confluyen en este maravilloso parque para deleitarse de un momento de esparcimiento, al tiempo que pueden compartir ideas, pensamientos y mentalidades con otros artistas, con otros movimientos.

Una vez al año se da cabida en este lugar al Festival de Bellas Artes, al cual acuden fielmente los mejores artistas de la época, para hacer de este Festival todo un éxito. La entrada al Festival es una convocatoria abierta, al que atienden no solo artistas sino también estudiantes y demás personas que sientan pasión y afinidad con las artes.

En esta oportunidad dos jóvenes artistas de movimientos diferentes abrirán la exposición de poesía. Henry Wolf, de Inglaterra, perteneciente al movimiento Romántico y Paul Cibelli, de Francia, cuyo movimiento es el Vanguardista. Cada uno vino de su país natal para exponer las obras más relevantes y compartir con el público y demás artistas su experiencia personal.

Un día antes de dar inicio al festival y con ello a la exposición de poesía, los artistas participantes se reunieron en el café concierto del parque para presentarse y conocerse unos con otros. Thomas Steven es el organizador oficial del evento, y aprovecha el espacio para presentar a Wolf con Cibelli, ya que juntos compartirán el mismo escenario.


Steven: Hey Henry! ¿Cómo van las cosas? Bienvenido a nuestro parque. Que rico que hayas podido venir, sabía que no me ibas a fallar.

Wolf: Hola Thomas ¿Como estas? Lo prometido es deuda, aquí me tienes. De verdad que para mí es un honor estar en este escenario tan especial.

Steven: Ven acá y te presento a un amigo.
Hola Paul, que rico verte por acá, llegaste tan puntual como siempre.

Cibelli: Querido Thomas, es un placer para mí volver a este lugar tan especial. Cuéntame como va la organización, ya está todo listo?

Steven: Si claro no hay porque preocuparse. He venido trabajando fuertemente en la organización  del evento y realmente este año va ser una maravilla, ya lo verán. 
Paul provecho el momento para presentarte al famosísimo  Henry Wolf. Wolf y tú serán los encargados de hacer la apertura de la exposición de poesía.

Cibelli: Mucho gusto Henry, he escuchado cosas muy buenas de ti. Es un placer conocerte.

Wolf: El gusto es mío realmente. Yo también he escuchado muy buenos comentarios de tus obras. Será realmente un Festival inolvidable.

Steven: Bueno señores, como ya sabrán la exposición de poesía es el evento central del Festival, así que quiero que hablen, se conozcan y compartan un poco sus pensamientos, ideas y gustos. He comprobado que esta es una muy buena técnica para crear la confianza necesaria a la hora de compartir el escenario. Así que los dejo, nos vemos mañana muy puntuales. Ya verán, van  a ser un éxito.

Cibelli: ¿Quieres algo de tomar?

Wolf: No Paul muchas gracias así estoy bien, de pronto mas tarde. Quisiera que me contaras más bien  un poco de ti.

Cibelli: Bueno pues que te cuento. Soy un poeta Francés apasionado. Soy de estilo vanguardista, con un fuerte gusto por el Surrealismo. Desde pequeño he sentido esta inclinación.

Mi gusto por la poesía viene desde muy niño; bien podría decir que aprendí a leer con poemas. Mi padre guardaba unos libros que mi abuelo había leído en el colegio, así que un día sentí una gran curiosidad por ojearlos y allí empecé a leer los poemas de Robert Desnos, Luis Aragon, Benjamin Peret, El "Cuaderno de retorno al país natal" de Aimé Césaire, "Los campos magnéticos" y otros poemas de André Breton.

Mas tarde vine a darme cuenta que estos poetas que yo leí en mi infancia fueron los primeros escritores en adherirse al movimiento surrealista, junto con Paul Éluard, Antonin Artaud, Georges Limbour, Raymond Queneau, Michel Leiris, Joseph Delteil, Pierre Naville, René Crevel, Roger Vitrac y Philippe Soupault.

Wolf: Sorprendente! Y bueno cuéntame sobre el vanguardismo y el surrealismo, ¿como surgieron?

Cibelli: Haber te cuento...hacia principios del siglo XX se produjeron una serie de movimientos, que pretendían destruir las concepciones artísticas del siglo XIX, con propuestas profundamente revolucionarias. Su finalidad era renovar el lenguaje del arte de un modo radical, porque consideraban que las formas artísticas anteriores ya no comunican nada, y al mismo tiempo deseaban generar una nueva relación entre el arte y los cambios tecnológicos,  científicos (filosofía, psicología, etc.) y sociales que se estaban produciendo. A estos movimientos se los denominó Vanguardias.

El surgimiento del Surrealismo tiene un vínculo bastante fuerte con la Primera Guerra Mundial. Tanto el Dadaísmo como el Surrealismo se proponían acabar con todo aquello que había llevado al hombre al escepticismo y a la muerte. Para lograr este objetivo consideraban necesario destruir la cultura del mundo burgués poniéndola en tela de juicio a través de la parodia, la burla y el cuestionamiento de su concepto de arte. Muchas de estas tendencias se expresaron a través de Manifiestos, donde no sólo se atacaban las normas artísticas anteriores, sino también se daban a conocer las nuevas propuestas estéticas.

El surrealismo nació oficialmente en 1.924 en París, con la publicación del "Manifiesto Surrealista" del escritor francés André Bretón, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis, el descubrir los mecanismos del inconsciente en un esfuerzo para sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional, como método de creación artística.

Wolf: No lo puedo creer! Que historia tan sorprendente. No se, pero nunca me interesé por conocer más allá del Romanticismo. Lo que pasa es que una vez lo conocí me enamoré de él y me quedé allí.

Cibelli: Bueno, pero he hablado mucho y no se nada de ti Henry. Cuéntame, ¿cómo surgió en ti el gusto por la poesía y por el movimiento Romántico?

Wolf: Me di cuenta de mi fuerte gusto por la poesía en los últimos años de primaria. Fue allí donde realmente me di cuenta de mis grandes composiciones literarias, las cuales eran admiradas y homenajeadas por los profesores. Me empecé a interesar por el movimiento Romántico al tener la oportunidad de leer "Himnos de la noche" y  "Cánticos espirituales" de Novalis, "Cantares de experiencia" de William Blake y algunos poemas como "El Corsario" de Lord Byron.

Como bien sabrás, estos tres artistas, fueron los mayores representantes del Romanticismo y lograron apasionarme tanto con sus composiciones, al punto que me convertí en uno de los suyos, en un poeta Romántico. Fue como un amor a primera vista, conocí el movimiento, me encantó, me compenetré con él, con sus pensamientos e ideas, y fue así como me quedé en él.

Mi gusto en lo literario esta inclinado fuertemente hacia los poemas de Novalis. No se si sabrás, él es uno de los máximos representantes del Romanticismo alemán y un poeta universal al que los movimientos de Vanguardia le deben mucho. En Novalis se puede ver realmente un encuentro profundo con la esencia del Romanticismo, ya que en su obra es posible identificar un fuerte sentimiento, pasión y emoción, característicos de este movimiento. Recordemos que en el Romanticismo predominó la imaginación sobre la razón, la emoción sobre la lógica y la intuición sobre la ciencia, lo que llevó a la literatura a una notable sensibilidad, lo que permitió anteponer el contenido a la forma, permitiendo una mayor libertad de estilo y expresión. En la obra de Novalis es posible identificar también el amor por la naturaleza y sus fuerzas misteriosas, el gusto por la poética medieval y el anhelo por la inmortalidad, características también importantes del periodo Romántico.

Si algún día tienes la oportunidad de leer la obra "Cánticos espirituales", no lo dejes de hacer, es maravillosa, cargada de un gran sentimiento religioso, de una reflexión espiritual. En ella es posible identificar una exaltación de la fe cristiana, que invade de cierta tristeza y melancolía; es un encuentro entre el yo y la religión, que permiten conformar una unidad entre poesía y religión. Aunque hay una expresión sencilla en la obra, hay una fuerte carga sentimental, que denota intimidad y que llevan a una sensibilización del lector. La obra es armoniosa al leer, ya que en esta es posible apreciar una rítmica, que crea una musicalidad agradable.

Cibelli: Gracias por tu recomendación, la tendré en cuenta. Ahora quisiera que me contarás mas del Movimiento Romántico, aunque sé algo de sus orígenes, quien mejor que tu me cuentes, ¿cómo fue que realmente surgió este movimiento?

Wolf: El Romanticismo es un movimiento tanto cultural como político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo. Representó una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una libertad absoluta. Lo romántico, entonces, otorgaba lo subjetivo liberado de toda autoridad, la disolución de los límites y de las leyes clásicas entre los géneros. Esto encarnó las ideas de lo fantástico, sensible, onírico y nostálgico, dándole gran importancia al sentimiento.

Cibelli: Si, realmente ustedes cambiaron la esencia del arte, pasando de uno academicista, en el cual prevalecía la forma sobre el contenido, a un arte más libre, donde la forma pasaba a un segundo plano y la libre expresión de los sentimientos era la prioridad. Fue un movimiento importante que dio un giro al rumbo del arte. Pienso que los Vanguardistas no hubiéramos aparecido de no haber sido por ustedes, ya que sin Romanticismo muy seguramente no existiría el Vanguardismo.

Wolf: En eso tienes toda la razón. Paul, cuéntame un poco de los aspectos que caracterizan tu obra como Vanguardista y por supuesto Surrealista.

Cibelli: Bueno, yo como buen Vanguardista soy un inconforme. Considero que el pasado no sirve, hay que dejarlo atrás, y por el contrario hay que buscar un arte que responda a la originalidad que cada uno lleva por dentro. Me gusta tener una libertad al escribir, que me permita expresar todo lo que tengo en mi interior, sin regirme por ninguna regla tradicional, ni mucho menos la versificación, lo fundamental tanto para mí como para los Vanguardista no es lograr sonidos agradables, sino lograr la expresión adecuada de nuestro mundo interior.

Mi obra es considerada por lo lectores como de estilo exigente, ya que demanda un lector que esté atento a la obra y el mismo vaya desentrañando los hechos que se presentan y vaya armando inteligentemente las piezas de la obra.

Mi poesía influida por la libertad verbal del surrealismo, es metafórica. Me gusta recurrir a la crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo matiz sentimentaloide. Me gustan los hombres críticos, que se cuestione sobre la realidad, la existencia, que no se rijan por tradiciones, que se dejen llevar por la libertad del ser, por la imaginación. Mi obra está fuertemente basada en la pasión, los impulsos no reprimidos, en mis fantasías y locuras ocasionales, en la libertad y la imaginación.

Wolf: Realmente que eres un Vanguardista. Tu obra esta cargada de los aspectos que diferencian a tu movimiento de los otros.

Cibelli: Si Henry en eso tienes toda la razón, soy fuertemente Vanguardista, estoy demasiado compenetrado con el movimiento, los pensamientos, las ideologías, lo cual hace que mis obras sean de alta calidad e inspiración.

Wolf: Hablando de tu estilo, cuéntame ¿cual es el poeta de tu movimiento que mas te gusta, al que mas admiras?

Cibelli: Indudablemente el poeta Surrealista de todos el tiempos, quien mas admiro, y el cual fue fundamental en mi formación es sin duda alguna André Breton. No se si sepas, pero Breton es conocido como el principal impulsor del Surrealismo, de ahí que en su obra sea posible apreciar las características innatas, la ideología inicial del movimiento.

Si en alguna oportunidad te da por leer el "Primer Manifiesto Surrealista", puedes darte cuenta de la calidad literaria del artista. Maneja una prosa casi poética y un estilo emotivo y exaltado. Es en este manifiesto donde postula la existencia de una realidad superior a la que sería posible acceder poniendo en contacto dos mundos, la vigilia y el sueño, que tradicionalmente se habían mantenido separados. Reivindica la liberación del mundo del subconsciente y con ello una nueva forma de pensar. Podría decir que Breton es mi guía. Cada vez que quiero encaminarme por el Surrealismo, basta con leer un poco de sus obras, para adentrarme en este mundo.

Bueno Henry, y que hay de tu obra, cuéntame un poco de las características Románticas que prevalecen en ti.

Wolf: Pues bien, en mis obras puedes encontrar una fuerte tendencia a los temas como el amor, la soledad, los motivos sobrenaturales y la libertad, principalmente. En cuanto a las formas, empleo diversos tipos de versos y estrofas en un mismo poema. El Romanticismo cultiva tanto la poesía narrativa como la poesía lírica, pero realmente mi estilo artístico está mas enfocado a la poesía lírica, ya que es en esta donde puedo expresar de mejor manera mis sentimientos. En cuanto al lenguaje que utilizo me gustan aquellas palabras que expresan sentimiento, dolor, insatisfacción y la muerte, como a la mayoría de poetas Románticos.

¿Sabes? la música me ayuda mucho como fuente de inspiración. Las obras de Beethoven y Chopin son mis favoritas. Beethoven es el gran precursor de la música Romántica, diría que es puente entre el Clasicismo y el Romanticismo musical, me fascina. Con respecto a Chopin su música, romántica y lírica, me encanta, sus melodías son dulces y originales, la armonía es refinada, y sus ritmos delicados, una de mis favoritas es Balada Op. 38 N°2 en F mayor y Nocturno Op. 9 N°2. Es característico de Chopin su fascinación por el piano, lo cual lo llevó a dedicarse prácticamente a este instrumento, por esto es considerado como uno de los más grandes compositores de música para piano.

Cibelli: No creas Henry yo también tengo mis gustos musicales. Y es aquí donde no tengo inclinación alguna hacia un ismo en particular. La música Vanguardista en general me llena por completo, me relaja y puede en ocasiones llegar a inspirarme.

Uno de mis músicos preferidos es Bela Bartok, su obra me causa una muy grata sensación. Es una de las figuras más originales y completas de la música del siglo XX. Este artista se caracterizó por desarrollar un estilo personal dotado de una gran fuerza y energía, con ritmos melódicos asimétricos e inusuales, a contratiempo, creando una disonancia que lo mantuvo alejado de los modelos tradicionales, lo cual me gusta mucho. Incluyó ocasionalmente de forma directa melodías folclóricas en sus composiciones. Le gustaba el uso de acordes por su sonoridad, además era un artista muy hábil para encontrar atmósferas y colores musicales.

Me gustan las obras de Bartok por tener una estructura diferente. Maneja una combinación de sonidos clara, y una variación en los matices fuerte, cargada de mucho ritmo y distintas sensaciones. 

Wolf: Paul y que me dices de la pintura, ¿cuáles son los pintores del género que mas te gustan?

Cibelli: Los pintores, haber te cuento...Indudablemente René Magritte y por supuesto Salvador Dalí. Magritte provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. Pintó obras capaces de producir un fuerte impacto visual, en las que aparecen asociaciones de imágenes desconcertantes. Por otro lado Dalí es el más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación, son detallados, extraños y llenos de imágenes de sueño.
¿Conoces la pintura "Golconda" de Magritte? es genial ¿no te parece? Mírala acá la tengo en este calendario.

Golconda, 1953
René Magritte

Esta obra tiene un gran significado. Si la vez representa una escena de hombres idénticos vestidos con abrigos oscuros, que parecen estar flotando como globos de helio, con un fondo de edificios y cielo azul. Es humorístico, pero con una evidente crítica a la convencional eliminación de la individualidad.

Wolf: Que obra tan interesante.

Cibelli: Mirar las obras de estos pintores es realmente emocionante y me hacen sentir muy orgulloso de mi movimiento, es como si lograran afianzar mucho mas mis sentimientos y pensamientos con el Surrealismo.
Y bueno, cuéntame Henry ¿cuáles son tus preferencias al respecto?

Wolf: Haber déjame pensar... pienso que David Caspar Friedrich y Theodore Gericault son los dos pintores por los que más me inclino. Friedrich es uno de los grandes exponentes del Romanticismo pictórico alemán. En él se observa un profundo sentimiento hacia la Naturaleza, pero no por ello deja de lado otros temas como son la figura humana o el sentimiento religioso. Con respecto a Gericault siempre se ha dicho que es la encarnación del Romanticismo temperamental. Desde el principio dio muestras de rebeldía, no respetaba las reglas, tenía una gran pasión por lo excesivo. La pincelada empastada que manejaba en sus obras, revelaba realmente su marcado temperamento.

Mira por lo menos esta obra de Friedrich que llevo conmigo. Se conoce como de "El caminante ante el mar de niebla", es realmente fascinante.

 
El caminante ante el mar de niebla, 1818
Caspar David Friedrich

Como podrás ver sus paisajes son maravillosos y de ellos emana una luz clara y diáfana. Las colinas y montañas se envuelven en una mágica bruma, y del ambiente destilan gran misticismo religioso. Sus figuras suelen aparecer de espaldas al espectador, con el fin que el espectador se identifique con el personaje.

Cibelli: Esta es una pintura muy bella, que rico conocer tu análisis de la obra es muy enriquecedor.
Querido Henry sé que podríamos quedarnos hablando por horas sobre nuestros movimientos, pero se hace tarde y mañana debemos madrugar y estar descansados porque nos espera un día muy duro.

Wolf: Si claro Paul. Uy!!! Es que nos paso el tiempo volando. De verdad que rico ha sido conversar contigo, creo que aprendí mucho de ti y de tu movimiento.

Cibelli: Yo también pienso lo mismo. Ha sido una tarde muy fructífera. Debemos continuarla. Pero seguro que no quede inconclusa.

Wolf: Ten la seguridad que así será, aún me queda mucho por conocer. Nos vemos mañana. Que descanses.

Cibelli: Lo mismo para ti. Adiós.

 

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Unidad 3: Música

CONCIERTO DE MÚSICA CLÁSICA VIRTUAL:

"CLÁSICOS DEL ALMA"

Bienvenidos al Concierto Virtual de Música Clásica “Clásicos del Alma”. Este es un espacio en el que podrás entrar en contexto con el Clasicismo Musical, sus características, los instrumentos predominantes y las formas musicales sobresalientes en este periodo. Además tendrás la valiosa oportunidad no solo de conocer mas sobre dos de los principales representantes de la época, sino que adicionalmente podrás apreciar algunas de sus mas valiosas obras, conocer un poco sobre la historia de cada una y compenetrarse con las composiciones al punto experimentar sensaciones y sentimientos con cada una de ellas.

En este espacio podrás adentrarte en la Música Clásica y llegar a encontrarle el sentido y la interpretación adecuada a las obras aquí presentadas, las cuales fueron seleccionadas minuciosamente para ofrecerle al visitante un grato momento de esparcimiento y deleite.

 

Antes de iniciar con el gran concierto de conciertos, es importante que el auditorio conozca un poco mas del Movimiento Clásico, y de esta manera puedan disfrutar de algunas de las composiciones de los mayores representantes de la música Clásica que se presentarán a continuación.

CLASICISMO MUSICAL

Para empezar, es necesario resaltar que el Clasicismo es una etapa del arte que se dio en la segunda mitad del siglo XVII (1750-1827), cuya principal característica era expresar la idea de perfección de la realidad, es decir, en este periodo existió una fuerte propensión a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. De ahí la tendencia a dar más la forma de las cosas, que es la que refleja perfección, que el contenido o la ideología.

CARACTERISTICAS ESTILÍSTICAS

Como características generales de la música Clásica podemos mencionar:

• Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.

• Fuerte tendencia a expresar el mundo como un ser bello, perfecto, tranquilo e ideal.

• Es música cortesana, elegante, refinada y en ocasiones graciosa.

• La norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, y por ello simboliza al hombre como ser armónico y a la humanidad como una sociedad perfecta y sin problemas.

• La melodía toma una importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta música, la melodía es el alma de la música clásica.

• Los tres elementos fundamentales de la música (melodía, ritmo y armonía) alcanzan un perfecto equilibrio, por lo tanto ninguno prevalece sobre los demás.

• Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces de la melodía.

• Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, éstos sólo se usan cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión.

• Se le suele llamar pura porque no esta mezclada con el canto, es instrumental.

• Es música objetiva, porque es estética y única, no sensual.

• El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento.

• Las composiciones u obras musicales no llevan nombre, pero llevan titulo OPUS, que significa Obra, y el numero correlativo o de orden de creación.

INSTRUMENTOS MUSICALES DEL CLASICISMO

Hay varios instrumentos que surgen en este período, como la trompa, el clarinete y la trompa; si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos alcanzan la madurez en este periodo como el fagot, oboe y el contrabajo. En este periodo el piano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos solistas.

Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: la viola da gamba, el clavicordio, la dulzaina, la flauta dulce (que volverá a renacer en el siglo XX), el laúd etc.

Trompa

Instrumento de viento y metal, con boquilla cónica un largo tubo también cónico, estrecho y enrollado sobre si mismo en forma circular y que acaba en un ancho pabellón.

 

Clarinete

Instrumento cilíndrico de viento, madera, de lengüeta. El sonido que emite es brillante y penetrante

 

 

Piano

Es un instrumento de cuerdas percutidas por martillos activados por teclas. La producción del sonido tiene lugar por medio del martillo que el mecanismo del teclado lanza contra las cuerdas. Construido por primera vez por el italiano Cristófori que lo denominó Gravicemvalo col piano e forte, denominación reducida más tarde a piano.

 

FORMAS MUSICALES DEL CLASICISMO

De las formas musicales de las épocas anteriores, desaparecen: la suite, el preludio, el concierto grosso, la fantasía, la cantata, la tocata y la fuga, y sobreviven la variación, la obertura y la opera.

Las formas musicales propias y típicas del clasicismo son la Sonata moderna o Clásica, la Sinfonía, el Concierto Instrumental y la música de Cámara.

REPRESENTANTES DEL CLASICISMO

El Clasicismo se va a ver reflejado en las obras de tres grandes músicos Franz Joseph Haydn, Wolfang Amadeus Teofilus Crisostomos Mozart y Ludwig Von Beethoven, en su primera etapa. El iniciador de este estilo musical es Franz Joseph Haydn y concluye con Ludwig Von Beethoven, que es él “puente” al Romanticismo. Sin embargo para efectos de este concierto, los músicos que haran sus presentaciones serán Haydn y Mozart.

CONCIERTO: “CLÁSICOS DEL ALMA”

El concierto que se presentará a continuación esta basado en las mejores composiciones de dos de los máximos representantes del Clasicismo Musical, los cuales fueron personajes muy influyentes en el desarrollo del Clasicismo.

Estamos hablando de dos de los mas grandes genios de la música universal, Franz Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart.

El concierto está dividido en dos etapas. En la primera veremos a Haydn y en la segunda etapa tendremos a Mozart, cada uno con una breve reseña de su vida, para que entremos en contexto y podamos sentir realmente lo que estos dos compositores querían expresar en sus obras. Antes de cada composición musical encontrarán unos datos relevantes de la obra. Durante el concierto, el oyente tendrá la oportunidad de leer un breve análisis musical de la obra. A lo largo del concierto se expondrán algunas pinturas que fueron relacionadas con las composiciones que se presentarán.

Bienvenidos al gran Concierto de Conciertos, al bellísimo
“CLASICOS DEL ALMA”

 

PRIMERA ETAPA

FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809)

BIOGRAFÍA

Compositor austriaco, una de las figuras más influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo. Está considerado como el padre de la Sinfonía, le pertenece la gloria de haber fundado el cuarteto de cuerdas.

De origen humilde, nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrau an der Keitha, cerca de Viena. Era el mayor de los dos músicos hijos de un fabricante de ruedas. Con ocho años entró en la escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas lecciones del prestigioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora. En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. El año 1760 contrajo matrimonio con Maria Anna Keller, unión que fracasó y de la que no hubo descendencia.

La suerte de Haydn cambió en 1761, año en que fue nombrado director musical adjunto del príncipe Pál Antal Esterházy; en 1762 fue nombrado maestro de capilla. Brindó un sinfín de conciertos palaciegos en Austria, Alemania, Hungría e Inglaterra. Por su longevidad (vivió 77 años) recibió el apelativo de “Papá Haydn”.

A él se le atribuye el perfeccionamiento del Cuarteto de cuerdas. Además, se le llama el “Padre de la Sinfonía”, por su grandiosa capacidad creativa en esa forma musical. Su música se caracteriza por graciosa, de buen humor, humana y perfecta en su técnica.

Su catálogo abarca 108 sinfonías, 83 cuartetos de cuerda, 52 sonatas para piano o claveci, 26 óperas. Durante sus últimos años en Viena, Haydn comenzó a componer misas y grandes, llego a componer 4 oratorios y 14 misas. Tras conseguir fama y riqueza, murió en Viena el 31 de mayo de 1809.

CONCIERTO HAYDN

1. Sinfonía N° 101 en Re Mayor, El Reloj

Fecha: 1794
Forma Musical: Sinfonía

 
El puerto de Ostia con el embarque de Santa Paula Romana, 1639 - 1640
Claude Lorrain

Un poco sobre la obra:

Hacia 1790, Haydn aceptó la oferta de Johann Peter Salomón, un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. En este periodo compuso algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres. La Sinfonía Nº 101 es la novena de las doce llamadas Sinfonías Londres. Es conocido popularmente como El reloj de la causa de la "marcando" el ritmo en todo el segundo movimiento. Haydn escribió esta obra para una de visitas a Londres.

El estreno de la pieza tuvo lugar el 3 de marzo de 1794 en los Hanover Square Concert Rooms londinenses. Fue el cuarto concierto de la temporada de los Haydn-Solomon Concerts y gozó de un merecido éxito entre el público, que aclamó al director al finalizar la interpretación. El trabajo siempre ha sido popular y sigue apareciendo con frecuencia en programas de concierto y en grabaciones.

Análisis de la obra:

La Sinfonía 101, "El Reloj", arranca de forma inspiradora con una original introducción de tono sombrío que, si bien responde al tipo de introducciones que se utilizaban para llamar la atención del público y avisarle del comienzo de la obra, destaca por su inusual sustancia musical, que crea una pretendida tensión previa. Tras estos breves segundos de introducción el primer movimiento, Adagio - Presto, se inicia de manera mucho más alegre, empujado por un tema de melodía bailable, que crea un fuerte contraste con la sombría introducción.

El segundo movimiento, Andante, es el que da sobrenombre a la sinfonía. En él la orquesta marca un ritmo oscilante que evoca el tictac de un reloj, por encima del cual la cristalina melodía es acomodada con maestría por Haydn.

El tercer movimiento, un Minuetto, es una de los momentos más novedosos de esta sinfonía. Se trata del más elaborado y extenso de los minuetos escritos por el compositor hasta entonces y, aunque se trata de una música ceremonial y un punto cómica (ridiculiza la poca destreza musical de una banda de músicos populares), se ha revelado ampliamente influyente.

El cuarto movimiento, Final, es un modelo de perfección formal y de dominio del contrapunto (el arte de armonizar dos o más melodías que se escuchan simultáneamente) e incluye una tensa sección central de gran complejidad interpretativa reservada para los instrumentos de cuerda.

Quise empezar el Concierto de Haydn con esta Sinfonía con el fin de resaltar la importancia que tuvo este artista en la creación y desarrollo de esta forma musical, característica del periodo Clásico. Recordemos que Haydn ha sido considerado en todos los tiempos “El Padre de la Sinfonía”, siendo la Sinfonía N° 101 unas de sus mas grandes obras.

Esta composición tiene una expresión de alegría y elegancia, delicadeza y suavidad en la melodía, que crea en el oyente una sensación de descanso, relajación y tranquilidad, características predominantes de las obras Clásicas. El efecto que produce en los sentidos es de exquisitez de naturaleza, es una obra que llega hasta el fondo del alma, es muy placentera al escucharla, al punto que crea una gran emoción y alegría.


Paisaje con Apolo y Mercurio, 1645.
Claude Lorrain

2. La Creación

Fecha: 1798
Forma Musical: Oratorio

 
Anunciación, 1645
Francesco Albani

Un poco sobre la obra:

El trabajo fue escrito por sugerencia de Salomón, el gerente ingles de Haydn, mientras Haydn estaba en su segundo viaje por Inglaterra, de 1794 a 1795. En ese momento, él era un gran éxito en Londres. Se sugirió que el compositor clásico escribiera un oratorio en la tradición Inglesa similar al Mesías de George Handel.

Sin embargo, el inglés de Haydn no era suficientemente bueno como para componer un trabajo de tal magnitud, por lo que se llevó los textos con él cuando regresó a Viena. Fue hacia el final de 1795 o a principios de 1796, que su amigo Gottfried Van Switen, un generoso patrón de las artes y una figura influyente en la vida musical de Viena, le hizo la misma propuesta para componer un oratorio.

En “La Creación”, su obra maestra, el compositor ilustra la creación del mundo, tal como se narra en el Génesis. Además de este libro del Antiguo Testamento, sus fuentes de inspiración fueron los salmos y El paraíso perdido, poema de John Milton. “La Creación” de Joseph Haydn es considerada su mayor trabajo. Trabajó sin descansar en este oratorio justo antes del siglo XIX. Haydn, en la época en que estaba trabajando en esta enorme composición, dijo: “Nunca he sido tan devoto como cuando compuse La Creación. Todos los días me arrodillo y oró ante Dios para que me de fuerza en mi trabajo”. Seguidamente puede apreciarse un fragmento de la obertura, bellísima por cierto.

Análisis musical de la obra:

La Creación está escrito en tres partes, dentro de las cuales se encuentran 34 números musicales, lo cual hace de esta, una obra de gran magnitud y extensión. Según la forma clásica del oratorio, La Creación se compone de coros, recitativos y arias. En la primera y segunda parte los solistas son Gabriel, Uriel y Rafael (respectivamente soprano, tenor y bajo); en la tercera parte, son Uriel, Adán y Eva (tenor, bajo o barítono, y soprano).

Debido a la magnitud de esta gran obra, se dará una pequeña muestra musical de la primera parte para asi poder ampliar el panorama del oyente con respecto a esta obra tan especial

Parte I

En esta parte se celebra la creación de la luz primigenia, la Tierra, los cuerpos celestes, cuerpos de agua, el clima y la vida vegetal.

El inicio de esta obra se da con el Preludio, la representación del Caos. Este es uno de los más famosos números en la obra, una obertura en do menor en el ritmo lento, escrito en forma sonata.

Parte II

La segunda parte celebra la creación de las criaturas del mar, los pájaros, los animales y, por último, el hombre.

Parte III

La parte III se lleva a cabo en el Jardín del Edén, y narra la feliz primeras horas de Adán y Eva.


El Bautismo de Cristo, 1630 - 1635
Francesco Albani

“La Creación” es una obra que no podía dejar por fuera de este gran concierto ya que esta es la obra maestra de Haydn.

Este oratorio es una obra alegre, sacra, con mucha emotividad. Expresa una fuerte religiosidad y espiritualidad, que crean una sensación de sobriedad, majestuosidad y elegancia características del periodo Clásico. No es fácil entrar a expresar los sentimientos causados por esta obra porque son múltiples; es tanta la grandeza de la obra plasmada en sonidos tan armónicos que crean una fuerte carga emocional en el oyente. “La Creación” es una obra que con solo el nombre nos da una idea de la clase de composición, impecable, limpia y emotiva. La armonía de voces y la instrumentación, hacen de la composición una obra serena, grande y muy elegante, con un predominante equilibrio Clásico entre melodía, ritmo y armonía, que la hace exquisita.

SEGUNDA ETAPA

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)

BIOGRAFÍA

Mozart es uno de los mayores genios de la música de todos los tiempos, y además, niño prodigio. Desde su infancia y hasta su prematura muerte a los 35 años compuso compulsivamente y creó obras maestras en la casi totalidad de los géneros musicales.

Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, y lo bautizaron con el nombre de Johannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Mozart. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo.

A los 4 años ya había compuesto su primera obra; a los 6 años era ya interprete avanzado de instrumentos de tecla y eficaz violinista, a la vez que hacía gala de una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras.

En 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes de Europa. Durante este periodo compuso sonatas, tanto para clave como para violín (1763), una sinfonía (1764), un oratorio (1766) y la ópera cómica La finta semplice (1768). En 1769 fue nombrado Konzertmeister del arzobispado de Salzburgo, y en La Scala de Milán el Papa le hizo caballero de la Orden de la Espuela Dorada. Ese mismo año compuso Bastien und Bastienne, su primer singspiel (tipo de ópera alemana con partes recitadas). Al año siguiente le encargaron escribir su primera gran ópera, Mitrídates, rey del Ponto (1770), compuesta en Milán. Con esta obra su reputación como músico se afianzó todavía más.

En su ciudad natal, Mozart compuso dos misas y un buen número de sonatas, sinfonías y conciertos. Estas obras revelan por primera vez un estilo propio y una madurez musical extraordinaria. El éxito de su ópera italiana Idomeneo, rey de Creta, encargada y compuesta en 1781, hizo que el arzobispo de Salzburgo le invitara a su palacio, en Viena, pero se sintió explotado y decidió marcharse. Se dedicó entonces a dar clases en una casa que alquilaron para él unos amigos. Allí compuso el singspiel, El rapto en el serrallo, encargada en 1782 por el emperador José II.

Ese mismo año se casó con Constanze Weber, hermana menor de Aloysia; juntos vivieron acosados por las deudas hasta la muerte de Mozart. Las óperas Las bodas de Fígaro (1786) y Don Giovanni (1787), con libretos de Lorenzo Da Ponte, aunque triunfaron en Praga, no fueron bien recibidas en Viena. Desde 1787 hasta la creación de Così fan tutte (1790, también con libreto de Da Ponte), Wolfgang no recibió nuevos encargos de óperas. Para la coronación del emperador Leopoldo II en 1791 compuso La clemenza di Tito, con libreto de Metastasio. Las tres grandes sinfonías de 1788 nº 39 en mi bemol, nº 40 en sol menor y nº 41 en do (Júpiter) nunca se interpretaron bajo su dirección. Mientras trabajaba en La flauta mágica (1791, con libreto de Emmanuel Schikaneder), el emisario de un misterioso conde Walsegg le encargó una misa de réquiem. Esta obra, inacabada por la muerte de Mozart, fue su última composición, que terminó Franz Süssmayr, discípulo suyo. Mozart murió en Viena el 5 de diciembre de 1791, se cree que por una dolencia renal crónica. Sólo unos pocos amigos fueron a su funeral.

CONCIERTO MOZART

1. Sinfonía Nº40 en Sol Menor KV 550

Fecha: 1788
Forma Musical: Sinfonía

Un poco sobre la obra:

Mozart escribió la sinfonía Nº 40 durante un período de su vida extraordinariamente creativo, el verano de 1788. En el espacio de unas pocas semanas compuso también sus sinfonías Nº 39 y Nº 41. Se ha especulado que preparaba estas obras para un futuro viaje a Inglaterra, que nunca ocurrió.

Como ocurre con la Sinfonía Nº 41, no existe ninguna prueba documental de que la obra llegara a estrenarse en vida del compositor. Es la penúltima sinfonía del célebre compositor.

Se la llama "gran" sinfonía en sol menor para distinguirla de la "pequeña", la Nº 25, también compuesta en sol menor. Estas dos son las únicas sinfonías que compuso Mozart en clave menor, quizás con la única excepción de una temprana sinfonía en la menor, descubierta recientemente y conocida como la Sinfonía Odense.

Análisis Musical de la obra:

La sinfonía está orquestada (en la segunda versión) para una orquesta compuesta por flauta, dos oboes, dos clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, y una sección de cuerdas (primeros y segundos violines, violas, chelos y contrabajos). Es destacable la ausencia de trompetas y timbales.

La obra está estructurada de forma convencional para el período clásico: cuatro movimientos, rápido, lento, minuet y rápido:

1. Molto allegro

2. Andante

3. Menuetto: Trio

4. Allegro assai

Quise traer esta la Sinfonía N° 40 en Sol menor a este concierto, porque es una de sus obras maestras mas finas y admiradas, además es una de las tres ultimas sinfonías que compuso Mozart. A pesar de ser una composición clásica, esta sinfonía fue muy apreciada por los músicos románticos a causa del sereno equilibrio que se combina con su sombría expresión. La Sinfonía N° 40 es una obra que en la actualidad es frecuentemente interpretada y grabada por otros artistas.


El caminante sobre el mar de niebla, 1818
Caspar David Friedrich

Los rasgos centrales del estilo clásico están presentes en esta obra de Mozart. La claridad, el equilibrio y la transparencia son los sellos de su trabajo Clásico. Esta obra que acabaron de escuchar, tiene un carácter nostálgico, melancólico, muy dramático, con una fuerte expresión de pasión y sentimiento. Esta composición esta cargada de una gran energía, representada en la fuerza de la musicalidad, en la rapidez de los sonidos y en la alteración de los ritmos. Me llama mucho la atención en esta obra los contrastes musicales que están presentes, las tonalidades, donde se pasa de la dureza a la suavidad, tiene una belleza poco común, ya que el artista aplicó su estilo personal allí.

 
Paisaje con acueducto, 1791-1824
Theodore Géricault

2. Don Giovanni

Fecha: 1787
Forma musical: Ópera

 
Don Giovanni - Francisco d´Andrade, 1868 - 1932
Max Slevogt

Un poco sobre la obra:

Es una ópera en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Lorenzo da Ponte, compuesta entre marzo y octubre de 1787, en Viena y en Praga, y basada en el mito de Don Juan. Surgió como un encargo a raíz del éxito que tuvo en esta última ciudad el estreno de su anterior ópera, Las bodas de Fígaro. Fue estrenada en el Teatro Estatal de Praga el 29 de octubre de 1787, con gran éxito de crítica y público. Fue interpretada por vez primera sin ensayo previo alguno.

La acción de la obra transcurre en Sevilla, en algún momento del siglo XVII, y es el relato de las impiedades de Don Juan, un tanto tosco y acumulativo. En el primer acto muestra a don Juan en la plenitud de sus formas, cínico y seguro de sí mismo, en sucesivos conflictos con doña Ana, a la que perpetuamente es infiel, y Zerlina, la joven campesina a la que seduce el mismo día de su Boda. En el segundo acto se nos muestra a un don Juan que es acosado por la justicia de los hombres y del cielo hasta ser precipitado al infierno. En el epílogo los restantes personajes comentan el trágico fin del protagonista, manifiestan sus sentimientos y extraen una moraleja que bien podría resumirse como “quien mal anda mal acaba”.

De todas las obras musicales basadas en la leyenda de Don Juan, la de Mozart es la más conocida y generalmente mencionada como la mejor. La ópera fue editada con el subtítulo de dramma giocoso (drama cómico), lo cual indica que no es ni completamente trágica ni cómica.

Análisis Musical de la obra:

Como bien ya se menciono anteriormente, esta obra musical se encuentra dividida en dos actos, dentro de los cuales podemos encontrar las escenas, el total de la obra son 9 escenas.

Debido a la extensión de esta gran obra, se dará una pequeña muestra musical con el fin de que el oyente pueda deleitarse con esta estupenda obra.

Como la mayoría de las óperas, Don Giovanni comienza con una obertura. Parece cierto que la víspera del estreno Mozart no la había compuesto. La Obertura de la obra fue compuesta un día antes de su estreno, de manera que fue interpretada por vez primera sin ensayo previo alguno. Es destacable que esta obertura, no es un poutpourrí de las romanzas principales, sino una obra maestra en sí misma, impregnada de la atmósfera del drama, a pesar de la velocidad con la que fue escrita.

Obertura

Acto I

Escena 1º: Atrio del Palacio del Comendador
Escena 2º: En las afueras de Sevilla
Escena 3º: Jardín en el palacio de Don Giovanni
Escena 4º: Interior del Palacio de Don Giovanni

Acto II

Escena 1º: Ante la casa de Donna Elvira
Escena 2º: En el jardín de Don Giovanni
Escena 3º: Cementerio en Sevilla
Escena 4º: Palacio del Comendador
Escena 5º: En el comedor del palacio de Don Giovanni

Escena del Commandatore

Escena le pediré la mano

Cierro el concierto con esta opera, ya que es considerada como una de las obras más geniales jamás escritas. Es considerada por muchos como la mejor ópera de la historia y una de sus obras mas finas. En esta obra se pueden apreciar momentos de comedia, romance, dramatismo. Es una obra cargada de intensidad, fuerza, energía y musicalidad. Es una opera elegante, de estilo cortesana, la cual mantiene el equilibrio Clásico entre melodía, ritmo y armonía. Se percibe un gran juego de matices, en donde es posible identificar espacios alegres, suaves, melancólicos y turbulentos, que van fuertemente contrastados, en un marco de intensidad sonora.

 
Noche estrellada, 1889
Van Gogh

Unidad 1: El Método

 LA MODERNIDAD, EL CAMINO HACIA EL PROGRESO

 

Hoy en día la palabra Modernidad no resulta ajena en nuestro léxico; es muy común escuchar en la sociedad de forma repetitiva éste término, pero, ¿es la Modernidad un término de la actualidad? A pesar que Modernidad designa lo que pertenece a una época reciente, el término está acuñado en el pasado, y hace referencia a un período histórico nacido en Europa, al final del siglo XVII, el cual llegó a su solidez al final del siglo XVIII.  

Para algunos la Modernidad no ha sido un proceso favorable para la sociedad, pero hay quienes no opinan lo mismo, de ahí la necesidad de conocer si ¿Cómo ha sido la Modernidad, como el proceso histórico de cambio?

Para comprender la importancia de la Modernidad, es necesario retroceder en el tiempo y reconocerla como un proceso histórico de ruptura, de transición entre la sociedad tradicional con sus costumbres, creencias y pensamientos a la sociedad moderna. Sus características fundamentales las podemos dividir en cuatro: las políticas sociales, económicas y culturales. En el plano de la política es de gran importancia destacar el cambio que se llevó a cabo entre feudalismo y capitalismo, surge de igual forma los Estados Naciones, la iglesia pasa a un plano de autoridad secundaria y a su vez se ve una fuerte tendencia nacionalista generadora de movimientos masivos tanto sociales como políticos. Con respeto a las características sociales de la época, no es una mentira decir que se produjo una transformación en la sociedad que le dio cabida a la libertad en todo el sentido de la palabra. En el ámbito económico surge un cambio en la producción con la industrialización, lo cual produjo un revolcón demográfico y urbano importante. Finalmente en el aspecto cultural se puede identificar una actitud de apertura a la naturaleza y a la belleza de la vida y una gran inquietud científica y artística, que abrió paso a la investigación científica.

En la Modernidad se destacan dos experiencias distintas la Ilustración y el Romanticismo, para el efecto del este ensayo, nos adentraremos tan solo en la segunda experiencia. Como bien dijo Octavio Paz, en su libro Los Hijos del Limo: "El romanticismo fue una reacción contra la ilustración y, por tanto, estuvo determinado por ella: fue uno de sus productos contradictorios. Tentativa de la imaginación poética por repoblar las almas que había despoblado la razón crítica... el romanticismo es la otra cara de la modernidad: sus remordimientos, sus delirios, su nostalgia de la palabra encarnada." El romanticismo fue una revolución artística, política, social e ideológica muy importante que nos dejo un gran legado en sus principio de libertad, individualismo, democracia, nacionalismo, principalmente. No se puede desconocer el carácter revolucionario de esta experiencia, la cual significó una ruptura con una tradición, un cambio de gusto de la época, que genero un reordenamiento de la sociedad, de sus valores tanto culturales como sociales, y que permitió la búsqueda de la libertad auténtica.

El Romanticismo se percibe una transformación en la manera de sentir y de concebir al hombre, la naturaleza y la vida, y una búsqueda constante de la expresión y los sentimientos en sus obras, más que la belleza, se inspiraban en el deseo de lo nuevo, lo insólito, lo oculto, lo reprimido, es decir lo sublime, lo que está más allá del límite. La subjetividad presente en sus obras es una característica identificable, cada artista expresaba por medio del arte su mundo interior. En ellos se puede ver el gusto por las cosas diferentes, por lo exótico, como los mundos orientales y primitivos. Aunque no en todos está presente el amor por la Edad Media y sus valores, si es posible reconocer en algunos artistas esta característica. Los Románticos se caracterizaron también por el nacionalismo presente en algunas de sus obras, el amor por la naturaleza, la religiosidad, el fuerte sentimiento individualista y la rebeldía que los llevaba a una exaltación de la sensibilidad frente a la razón. Como dijo Novalis, "Ser romántico es dar a lo cotidiano un sentido elevado, a lo conocido el prestigio de lo que se desconoce, a lo finito el esplendor de lo infinito", y esto es claramente aplicable como característica en las obras de los artistas románticos.                                                                                                                                            El Romanticismo lo podemos encontrar en todas las artes y  debido a su grandeza e importancia, constituye la esencia de la modernidad.

No es posible hablar de Modernidad sin mencionar al movimiento Vanguardista. El Vanguardismo nació en las primeras décadas del siglo XX como un movimiento artístico renovador, influido por su deseo de ruptura con lo anteriormente establecido por otros movimientos.

Los corrientes Vanguardistas fueron muy pertinentes para la época y las circunstancias que estaban viviendo los artistas, fue un sacudón necesario que les permitiera invocar e incentivar la autonomía del artista, lo cual los llevo a proponer nuevos caminos, nuevas concepciones del arte. El Vanguardismo fue una corriente  necesaria, ya que el arte no podía estar encapsulado en el Academicismo, era necesario un cambio, y las Vanguardias si que lo fueron, se convirtieron en un signo de rebeldía y de renovación artística.

Vanguardia significó innovar, liberar las reglas que ya estaban establecidos por los movimientos anteriores; por eso se dice que la única regla del vanguardismo fue la de no respetar ninguna regla. Una de las características visibles de las vanguardias es la libertad de expresión, la actitud provocadora, la lucha contra las tradiciones, la novedad, la audacia, la libertad de la forma, el carácter experimental y la rapidez de las propuestas. Dentro de este movimiento, se desarrollaron diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, lo que se conoce como los ismos, los cuales surgieron como propuesta contraria a las corrientes antiguas, proponiendo así innovaciones radicales de contenido, lenguaje y actitud vital. Miremos algunos de ellos que por sus aportes y contribuciones marcaron un punto de referencia importante en la historia.

El Futurismo se abrió camino hacia 1909 y se caracteriza porque es una negación a cualquier forma de arte pasado y presente, y exalta con optimismo la civilización mecánica y las conquistas de la técnica. El Expresionismo surgió en Alemania en 1911. Es el movimiento de vanguardia más difícil de identificar, ya que fue el resultado de la situación política de Alemania antes y después de la Primera Guerra Mundial. Nació  como consecuencia de la angustia del hombre ante su futuro incierto. Se percibe tonos claros y oscuros en las pinturas de los artistas como Goya, Solana, entre otros. El Cubismo por otro lado fue introducido por Picasso en 1907 en Francia con su obra "Las Señoritas de Avignon". Es un movimiento caracterizado por una estructura de tipo visual, por un gusto especial por deshacer la realidad. El Dadaísmo por su parte nació en Suiza, en 1916. De este movimiento es característica la rebeldía pura contra la lógica, las convenciones estéticas o sociales, contra el sentido común, es el repudio a la racionalidad. Finalmente no se puede concluir las Vanguardias sin mencionar al Surrealismo. Esta corriente fue un cambio radical en la concepción del arte y del trabajo del artista. Se percibe la búsqueda de la liberación del hombre y de su capacidad creadora, de los impulsos naturales del hombre reprimidos en el subconsciente a causa de la razón.

La Modernidad, no debe ser catalogada como buena o mala, sino como proceso de cambio, importante y necesario para nuestra sociedad, un proceso inevitable en la evolución de los tiempos. La Modernidad hace un alto en la tradición para volcarse a nuevas formas, nuevos descubrimientos, nuevas tendencias. El proceso que nuestra sociedad ha vivenciado, debe ser visto mas como un proceso constructivo, de aprendizaje y desarrollo y no como una corriente maligna que quiere acabar con la identidad, los valores y los buenos hábitos.

Hoy en día se sigue hablando de Modernidad, porque el significado de la palabra nos invita a un cambio de la realidad. En nuestro mundo cada día mas globalizado, la Modernidad no es tan evidente, a veces no es posible darse cuenta por donde nos entra. Las cosas que vemos en otros países traen nuevas tendencias, nuevas culturas, nuevos desarrollos que tarde o temprano nos influyen hasta llevarnos a hacer las cosas de manera diferente, pero ¿qué es lo realmente importante? Pues bien, la Modernidad tiene cosas buenas, útiles y beneficiosas que se deben considerar y analizar, pero esta puede tener efectos negativos de no hacer un correcto uso y manejo de ella. Sea cual sea la Modernidad lo realmente importante es considerarla como un paso en el progreso de la humanidad cuyos cambios van a permitir avances que generarán no solo el desarrollo nacional sino que jalonaran el mundial, eso si, siempre preservando la verdadera esencia de nosotros que es lo que nos permite tener una verdadera diferenciación en todo sentido.

 

Unidad 2: Pintura

EXPOSICIÓN VIRTUAL DE PINTURA SURREALISTA

Bienvenidos a la Exposición Virtual de Pintura Surrealista. En esta podrás conocer generalidades, características, los principales representantes y las mas destacadas obras de uno de los movimientos vanguardistas del siglo XX mas conocidos en la actualidad. En este espacio podrás adentrarte en la pintura Surrealista y llegar a darle el sentido y la interpretación adecuada a las obras aquí presentadas, las cuales fueron seleccionadas minuciosamente para ofrecerle al visitante un grato momento de esparcimiento y deleite.

El surrealismo nació oficialmente en 1.924 en París, con la publicación del "Manifiesto Surrealista", obra del escritor francés André Bretón, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística. Cabe mencionar que el Surrealismo no sólo afectó al mundo de la pintura, sino también al cine, la fotografía, el teatro y la poesía.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control, y del mundo de los sueños Su verdadera realidad es aquella que no se ve, es decir, la que esta inmersa en los sueños y el inconsciente. Es por esta razón que el surrealismo es uno de los géneros del arte más difíciles de entender, porque la subjetividad es lo que hace posible la creación del artista.

En el surrealismo el arte se concibe como una forma de olvidarse de la realidad y buscar una manera de que el hombre se encierre en sí mismo; por algo su significado se deriva de dos raíces griegas: sub, que significa por debajo, y realismo que implica lo que realmente es, o sea, la realidad.

Esta tendencia busca inspiración al interior de la misma mente del artista y se olvida del pensamiento racional, porque la realidad no sirve para poner de manifiesto este nuevo sentido del arte. El tema del pintor no se halla delante de él cuando lo pinta, el material proviene de experiencias pasadas y de objetos vistos con anterioridad, cambiados y reagrupados después de un largo período de sumersión en el inconsciente.

CARACTERISTICAS

Los Surrealistas intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

Utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías.

El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes.

Los colores se mezclan en sus más variadas formas, pero lo principal es el detalle de los dibujos y la manera irracional en que éstos se colocan en el espacio, creando una belleza plástica innegable.

Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.

PRINCIPALES REPRESENTANTES

La complejidad del movimiento surrealista, que más que una doctrina o escuela era una toma de postura frente a la realidad que les tocó vivir, explica la variedad de estilos. Se observan dos vertientes. El Surrealismo Abstracto, en el cual se crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y el Surrealismo Figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Max Ernst (1891-1979)

Llegó al surrealismo procedente del expresionismo y el dadaísmo. Su pintura, muy influenciada por De Chirico, sobre todo en lo que se refiere a la estructura y tratamiento de la luz, fría e intensa, es laque mejor representa las imágenes inquietantes del surrealismo. Fue capaz de crear un mundo alucinante, alternativo a lo cotidiano (Napoleón en el desierto); todo ello, junto a su trabajo de investigación y búsqueda de nuevas técnicas, le convierten en uno de los principales exponentes del Surrealismo.

Ives Tanguy (1900-1985)

Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio.

En su cuadro "Cita de las paralelas", el pintor nos representa un paisaje desolado y misterioso en el que abundan minerales y huesos que sorprenden e impactan al espectador.

René Magritte (1898-1976)

Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas. Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. Pintó obras capaces de producir un fuerte impacto visual, en las que aparecen asociaciones de imágenes desconcertantes, como en el cuadro "La isla del tesoro", en el que unas palomas con el cuerpo de vegetal y raíces clavadas en tierra simbolizan el angustioso contrasentido de la naturaleza humana.

André Masson (1896-1987)

Basó su obra en la liberación total de la acción de pintar, dejando que el fluido de gestos y trazos fuese totalmente espontáneo sin intervención alguna de la mente. Fue el creador de dibujos sobre arena, consistente en rociar arena sobre un lienzo en el que se había extendido de manera aleatoria cola de pegar. Tras arrojar la arena sobre el lienzo, se agitaba y la arena quedaba adherida a la cola formando imágenes que luego el pintor completaba.

Joan Miró (1893-1983)

Se unió al surrealismo después de haber experimentado en el modernismo, fauvismo y cubismo. Su carácter le fue conduciendo hacia un tipo de pintura muy personal en la que crea un mundo propio de colores vivos y figuras cada vez más esquematizadas que aparecen trasladarse por el lienzo, a imagen y semejanza de un microcosmos (El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados).

Miró es considerado como el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.

Salvador Dalí (1904-1989)

Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.

Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia.

También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués. Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.

GALERIA SURREALISTA

EL GRAN MASTURBADOR

Autor: Salvador Dalí
Fecha: 1929
Medidas: 110 x 150 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Se conserva en: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

En este cuadro todo tiene su significado más o menos ambiguo. El elemento central es su autorretrato -que repetirá en muchos otros cuadros-, estilizado pero reconocible: la gran nariz, el color amarillento y cara alargada. Está claro que el protagonista de todas las alegorías es él, y pegado a su figura hay numerosos elementos con significados variados. El saltamontes, un animal que le producía pavor, lleno de hormigas que simbolizan la muerte. Un anzuelo como atadura a la familia, el león como deseo sexual, usa piedras como su pasado, una figura aislada como soledad.

El tema de la masturbación aparece en la mujer de estilo modernista que surge de su retrato y cuyo rostro esta cerca de unos genitales masculinos escondidos en unos calzoncillos ceñidos. Pegada a la mujer hay un lirio, que simboliza la pureza, una enrevesada forma de definir a la masturbación como la relación sexual más pura. Como es constante desde que la conoció, Gala aparece representada, en este caso en la pareja que está abrazada debajo de la figura principal. Las pestañas largas de todos los autorretratos de este estilo que se hizo Dalí representan la esperanza de cumplir sus sueños.

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA

Autor: Salvador Dalí
Fecha: 1931
Medidas: 24 x 33 cm.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Se conserva en: Museo de Arte Moderno, New York.

Un pequeño pero famoso cuadro de la época más surrealista de Dalí. El paisaje tiene influencias de los trabajos que realizó del mar en su juventud, hasta se puede reconocer el Cabo de Creus en la parte superior derecha. Aparece una vez más su retrato rodeado de relojes doblados, derretidos. Intenta reflejar en ellos la irrelevancia del tiempo; el único reloj no deformado está cerrado y lleno de hormigas que simbolizan muerte.

MONUMENTO IMPERIAL A LA MUJER NIÑA

Autor: Salvador Dalí,
Fecha: 1929
Medidas: 140 x 81 cm.
Técnica: Óleo sobre lienzo
Se conserva en: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Las imágenes del subconsciente son los temas que Dalí pretende plasmar en sus cuadros. Es lo que él denomina el método paranoico-crítico, que con el paso del tiempo lleva a su máxima expresión. Son cuadros que intentan liberar sus propios traumas, en especial los sexuales.

Vuelve a utilizar sus elementos habituales que simbolizan el deseo sexual, tigres o leones. La composición formal del cuadro es la que sigue en casi todas sus obras surrealistas, esto es, un ambiente infinito con un horizonte difuso en el que se acomodan los numerosos elementos que forman la unidad de la obra.


EL HOMBRE INVISIBLE
 

Autor: Salvador Dalí
Fecha: 1930
Medidas: 140 x 81 cm.
Técnica: Óleo sobre lienzo
Se conserva en: Museo Nacional Centro de
Arte Reina Sofía, Madrid.

Otro cuadro con el mismo estilo surrealista de esta época. En esta ocasión el horizonte lo sitúa en la parte superior y además es más difuso al ubicar el instante en un atardecer, lo que hace que el color del cielo no sea el azul de otros lienzos.

El simbolismo radica en el deseo de no ser visto y ver todo. La figura del hombre invisible está compuesta por elementos en distintos planos que hacen necesario un esfuerzo del espectador para ver o bien el conjunto completo, o bien un elemento concreto.

 EL ENIGMA DEL DESEO

 

Autor: Salvador Dalí
Fecha: 1929
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 110 x 150 cm.
Se conserva en: Munich, en la Staatsgalerie Moderner Kunst, la antigua Colección Oskar R. Schlag.

En el cuadro aparece un paisaje desértico y extenso que se parece al gran llano de Ampurdán, el lugar de la casa donde Dalí pasó su niñez en Figueras. En el centro hay una enorme roca amarilla en forma de ala con dos agujeros grandes y numerosas cavidades pequeñas. En muchas de las aberturas está escrita la palabra "ma mère" ("mi madre" en francés). Este cuadro, mediante símbolos, no sólo hace referencia a su madre sino también a Gala mediante el león con las fauces abiertas que aparece en el extremo derecho superior del cuadro. El león aparece también en otras pinturas de Dalí como El gran masturbador, siempre anunciando un mensaje erótico y libido.

En un extremo de la roca aparece una cabeza de perfil con un enorme párpado cerrado que aparece constantemente en otros cuadros surrealistas de Dalí como El gran masturbador y La persistencia de la memoria.

Otras de las obsesiones del artista que aparecen en el cuadro, y que se congregan a la izquierda son: el pez, el saltamontes, la mano que sostiene el cuchillo y la cabeza de mujer de largos cabellos.

LA MASIA

Autor: Joan Miro
Fecha: 1922
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 132 x 147 cm.
Se conserva en: Galería Nacional de Arte en Washington

Muestra la transición de su pintura de paisaje al surrealismo. Presenta la granja de su familia. Se puede ver la influencia de pintores del surrealismo, porque el cuadro parece bidimensional y hay poca perspectiva. El color del cielo es un azul muy oscuro, al contrario de la fachada de las casas. La casa de la derecha parece el dibujo de un niño porque se puede ver lo que está dentro de la casa. El suelo está seccionado y se pueden ver diversos animales que viven allí. A primera vista parece simple pero cuando se mira profundamente se pueden descubrir muchos detalles y eso es una característica de la pintura de surrealismo.

Naturaleza muerta con Zapatos Viejos

Autor: Joan Miró
Fecha: 1927-1937
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Se conserva en: Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York

Realizada también para el Pabellón español, reproduce la sensación de angustia, de dolor y de pánico que se estaba viviendo en España. Los objetos utilizados adquieren carácter simbólico, como por ejemplo, el zapato que se hace enorme y el tenedor que pincha de forma salvaje una patata.

El Carnaval del Arlequín

 

Autor: Joan Miro
Fecha: 1925
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 66 x 93 cm.
Se conserva en: Galería Albrigh- Knox Buffalo

En esta obra, realizada en los años 1924-25, que se encuentra en la Galería de Arte Albright de Nueva York, nos encontramos con un lenguaje poético de signos que sugieren ensoñación, ingenuidad, fantasía y ambigüedad también. Este cuadro tan ambiguo, aparentemente comprensible y a la vez hermético, tiene cierta vivencia poética y un fondo inalcanzable. El propio Miró dijo, refiriéndose a los dibujos preparatorios de esta pintura, que le fueron inspirados por "los terribles delirios del hambre".

Aparecen representados una serie de elementos que se van a repetir posteriormente en otras obras, como las escaleras que pueden servir tanto para reflejar la huída como para la ascensión, o los insectos (parecen fascinarle), su gato, la esfera oscura (el globo terráqueo), etc.

GOLCONDA

Autor: René Magritte
Fecha: 1953
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 81 x 100,3 cm
Se conserva en: la colección Menil en Houston, Texas.

La pieza representa una escena de hombres idénticos vestidos con abrigos oscuros y bombines, que parecen estar flotando como globos de helio, con un fondo de edificios y cielo azul.

Es humorístico, pero con una evidente crítica a la convencional eliminación de la individualidad.

La Llave del Campo


Autor: René Magritte
Fecha: 1933
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 80 x 60 cm.
Se conserva en: Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza 

La llave del campo (La clef des champs) es un ejemplo singularmente notable de esta presencia oculta de lo misterioso. La ventana es una metáfora del ojo. La ventana es una metáfora del cuadro.

La retina, el cristal y el lienzo se confunden como metáfora de la realidad, como mímesis, como ilusión. A través de una ventana se divisa un paisaje ondulado y suave. Al final de un prado amplio y levemente ascendente hay unos árboles frondosos; sobre ellos, la bóveda de un cielo débilmente azul. 

Nada turbaría la serenidad de este cuadro si no diese la impresión de quebrarse ante nuestros ojos: el cristal de la ventana por la que miramos salta en mil pedazos en el momento mismo de nuestra contemplación. Se deshace en minúsculos trozos que misteriosamente permanecen fieles al cuadro delante del cual se encontraban en forma de lámina transparente. Los fragmentos caídos al suelo no son transparentes; actúan como elementos de un rompecabezas que reproduce el paisaje visto a través de la ventana.

La Condición Humana


Autor: René Magritte
Fecha: 1934
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 100 x 81 cm.
Se conserva en: Colección particular, París

Ante una ventana vista desde el interior de una habitación, he colocado un cuadro que representa exactamente la parte del paisaje escondida por la pintura. Así, el árbol oculta el árbol que está detrás, fuera de la habitación.

Para el espectador, ese árbol está a un mismo tiempo en la habitación, sobre el cuadro y fuera, en el paisaje real. Así es como vemos el mundo. Lo vemos fuera de nosotros mismos y a la vez en nuestro interior sólo tenemos una representación", escribió Magritte acerca de este cuadro, en el que se nos pregunta acerca de la realidad y nuestra comprensión de ambas.